Véritable prouesse technologique, il est le premier spectacle conçu intégralement en 3 dimensions et projeté à l’intérieur d’un monument historique. Une parenthèse hors du temps.

Au centre de la mise en scène, le Nimbe est la pièce maîtresse de la scénographie. Inspiré des auréoles anciennes, ce cercle lumineux monumental de près de trois mètres de diamètre est  installé au cœur du chœur, il structure l’espace scénique et devient un élément central de la mise en scène artistique. Alliant LED, projection sur tulle et sculpture lumineuse, le Nimbe, il évolue au fil du spectacle, parfaitement synchronisé avec la musique et les images. développe une esthétique singulière. L’occasion de découvrir ou redécouvrir l’espace sacré à travers une symbolique contemporaine.

La musique est le fil invisible du spectacle, reliant chaque image et chaque émotion. Le répertoire classique est réinterprété dans une écriture contemporaine, enrichie par un travail de sound design  immersif mêlant nappes, impacts et résonances, afin de renforcer le lien sensoriel entre l’image et le son. Enregistrée par l’Orchestre Philharmonique Slovaque, réunissant plus de 50 musiciens et 24 chanteurs, la bande originale revisite de grandes œuvres de Satie, Beethoven ou Vivaldi.

Chaque soir, les voix du chœur « Ensemble Aura Vocis », dirigé par Stéphane Hézode ou Anne-C. Catherine Picca, accompagnent la bande originale du spectacle. Présents en live, les choristes apportent une fabuleuse dimension.  

Installée au cœur du quartier des Halles, l’Église Saint-Eustache est la troisième ’plus grande église de Paris derrière Notre-Dame et Saint-Sulpice. Bâtie en 1532, en pleine Renaissance, elle  est l’un des monuments gothiques les plus emblématiques de Paris. Son architecture spectaculaire, sa nef vertigineuse, ses voûtes culminant à plus de 30 mètres offrent un terrain d’expression idéal pour cette nouvelle approche immersive. L’Odyssée Céleste a d’ailleurs été conçue spécifiquement pour s’adapter aux volumes du monument et révéler différemment ses lignes, sa lumière et son acoustique. Saint-Eustache est aussi un haut lieu musical : son orgue monumental, l’un des plus grands de France, résonne depuis des siècles et continue de faire de l’église un repère incontournable pour les amateurs de musique sacrée.

Créé en 2023 par LOTCHI, Luminiscence conçoit des expériences immersives mêlant numérique et musique live pour valoriser et préserver les sites emblématiques du patrimoine mondial. En révélant des lieux sacrés à travers des spectacles visuels et sonores inédits, le projet célèbre notre héritage commun grâce à une modélisation et une projection 3D de haute précision, associées à un dispositif sonore immersif et à la présence d’un chœur en live.

Engagé pour la conservation du patrimoine, Luminiscence reverse une partie de ses recettes à la restauration des monuments qui l’accueillent, avec déjà plus d’1 million d’euros consacrés à la préservation de ces sites d’exception.

À la mort prématurée de son père en 1876, il entre en apprentissage chez Louis Aucoc, bijoutier et orfèvre leader de l’art nouveau, tout en suivant les cours du soir à l’École des Arts décoratifs de Paris. En 1878, sa mère l’envoie poursuivre ses études en Angleterre, au Sydenham Art Collège de Londres. Il revient en France en 1880, suit des cours de modelage, commence à envoyer ses dessins à une revue destinée aux fabricants étrangers, s’installe à son compte comme dessinateur en chambre, fournit de grandes maisons telles Cartier, Jacta ou encore Boucheron. En 1885, il reprend l’atelier du joaillier Jules Destape, place Gaillon à Paris où il peut enfin fabriquer ses propres créations dans de bonnes conditions. Ne s’arrêtant pas en si bon chemin, il commence à exposer ses œuvres à son nom par l’intermédiaire du Salon des artistes français et , dans la foulée ouvre un nouvel atelier au 20 rue Thérèse, dans le quartier de l’Opéra.

l révolutionne la joaillerie de son temps, devient le favori des grandes dames du monde, est le favori des plus grandes fortunes qui collectionnent ses pièces et est admiré de ses confrères. Pour Émile Gallé, maître-verrier emblématique de l’Art nouveau, qui le découvre lors de l’Exposition universelle de 1900, il est l’inventeur du «  bijou moderne ». 

Il crée des bijoux pour Sarah Bernhardt, divine tragédienne, qui interprète entre autres «  La Dame aux camélias » d’Alexandre Dumas fils ou « La Sorcière » de Victorien Sardou. 

Doté d’une  indéniable audace, il triomphe à l’exposition universelle de 1900, notamment avec son chef d’œuvre «  Le pectoral à la libellule ».  Il devient la même année, Officier dans l’Ordre de la Légion d’Honneur.

En 1907, sa rencontre avec le parfumeur François Coty, le père de la parfumerie moderne, marque un tournant. Sa collaboration commencée par la création de la vignette du flacon «  L’Effleurt », va révolutionner l’industrie du parfum… Car, pour la première fois, des flacons attractifs sont signés par un créateur de renom, à des prix abordables ! Un travail en tandem qui va pousser Lalique vers le travail du verre industriel.
 
En 1913, il achète la verrerie de Combs-la-Ville, où il développe la production de ses œuvres en série. Après la première Guerre mondiale, il réalise que ses bijoux ne sont plus dans l’air du temps ! Il ressent le besoin de se reconvertir. 

Aussi, dès 1921, René Lalique fonde sa propre verrerie à Wingen-sur-Moder, en Alsace, au cœur d’une région de tradition verrière. Elle est aujourd’hui la seule manufacture Lalique au monde, un savoir-faire reconnu qui a reçu le label Entreprise du Patrimoine Vivant.

Dans le travail de la matière, son style s’exprime par ce qui deviendra le célèbre contraste verre transparent-verre satiné auquel il y ajoute parfois une patine, un émail ou une coloration dans la masse.

Il croule sous les commandes et réalise des projets de décoration d’intérieur de grande envergure : la décoration des voitures du train Côte D’Azur Pullman Express, du Venice Simplon Orient Express, les salons de la créatrice de mode Madeleine Vionnet, de magnifiques fontaines pour le Rond-Point des Champs-Élysées, orné les calandres des luxueuses automobiles des Années folles, les Delage, Bentley, Rolls, Hispano-Suiza mais aussi l’immense salle à manger des premières classes du Paquebot Normandie. C’est à cette époque - nous sommes en 1935- que ce créateur de génie ouvre les portes de la boutique Lalique, au 11 de la rue Royale à Paris. 

Il s’éteint en 1945. Son fils Marc lui succède à la tête de l’entreprise et fait entrer Lalique dans l’ère du cristal.

Symbole du Paris raffiné, l’adresse historique du 11 rue Royale a rouvert ses portes le 18 novembre 2025, à l’occasion du 90ème  anniversaire de sa première installation. Ici, sur 115 m², lumière et émotion composent une expérience unique : celle d’un art de vivre réinventé. Un lieu de vie, d’art et de lumière où s’exprime l’art de vivre Lalique. 

Située à Wingen-sur-Moder, la Villa Lalique construite en 1920 par le fondateur de la marque fut sa résidence principale  lors de ses séjours en Alsace. En 1945, lors de sa disparition, son fils Marc et sa petite-fille Marie-Claude vont continuer à vivre dans cette maison. Elle est aujourd’hui le cadre prestigieux d’un hôtel 5 étoiles dont la décoration est signée Lady Tina Green et Pietro Mingarelli. La Villa offre six suites exclusives ainsi qu’un restaurant deux étoiles au Guide Michelin, dirigé par le chef autrichien Paul Stradner. La Villa René Lalique est membre de la collection Relais & Châteaux et fait partie de l’association Les Grandes Tables du Monde, qui rassemble les meilleurs restaurants gastronomiques de la planète.

Cette année, douze catégories étaient présentes dont le chant soliste, la musique de chambre, le jazz, la comédie musicale, le piano, l’accordéon, la composition, le saxophone, la clarinette et la flûte traversière.

Mais tout d’abord, rappelons les origines du Concours Bellan. Nous sommes en 1926. Un certain Léopold Bellan, homme politique humaniste et philanthrope, féru de grande musique, était convaincu que la culture et l’éducation étaient la base, le ciment permettant l’accès au bonheur, au bien-être et à l’évolution sociale. Alors, il crée le Concours international de Musique et d’Art dramatique. Ce qui est devenu, aujourd’hui, le Concours international Léopold Bellan.

Le 1er novembre 2025, le Concert des Lauréats clôtura le concours étalé sur cinq jours, du 27 au 31 octobre. Le jury, composé de 24 personnalités du monde musical, eut bien du mal à consacrer ces mêmes lauréats tant le talent des uns et des autres était au rendez-vous. Ce fut un florilège d’exigence, d’engagement, de virtuosité, de diversité dans les choix des formations et des nouveaux répertoires. L’émotion fut au rendez-vous avec le remarquable et engagé Duo Con Brio, symbole d’espoir et de paix, réunissant deux artistes d’Ukraine et de Russie obtenant le Second Prix catégorie Musique de Chambre.

Au-delà des considérations purement musicales, il convient de souligner l’engagement du Groupe LVMH en qualité de mécène. Le Concours Bellan se révèle un formidable tremplin favorable à l’éclosion et à l’épanouissement de ces jeunes talents sous les meilleurs auspices. L’occasion de rebondir vers d’autres horizons grâce à sept organisations internationales telles le Cap Ferret Music Festival, Les Petites Mains Symphoniques, Polifonia Eliane Lavail, Wiener Musik Seminar en Autriche, Osaka International Music Competition au Japon, et, depuis cette année, l’Association Opéraria et les Editions musicales Artchipel.

Le Grand Prix Super Finale a été attribué au Quatuor Lunaris (Bartu Elci-Ozsoy ; Cassandra Teissedre ; Thom Poirier ; Maïa Xifaras – France/Turquie (Catégorie Musique de Chambre).

Pour le centenaire du concours, rendez-vous à Paris du 26 au 31 octobre 2026. Un rendez-vous historique à ne pas manquer ! A signaler que les finales de la section junior auront lieu, également à Paris, le 19 avril prochain.

L’intégralité du Palmarès 2025 est à consulter sur https://www.concoursinternationalleopoldbellan.fr/

L’Association Lancer d’Art organise le concours depuis 2013 : https://lancerdartorg/

 

Parmi des œuvres contemporaines exposées au Baha Mar, les sculptures monumentales et les fresques qui explorent l'histoire des îles, John Cox , artiste et directeur artistique et culturel du complexe , mène une transformation qui dépasse largement la simple décoration : il souhaite placer l'art bahaméen au centre de l'expérience touristique et culturelle des Caraïbes.

"L’art redéfinit les raisons pour lesquelles les gens voyagent aux Bahamas. Je travaille pour la division des services partagés, qui appartient à la marque Baha Mar et non aux hôtels individuels », explique John Cox. "Notre rôle est de superviser tout ce qui touche à l’art et, plus récemment, à la culture au sein du complexe hôtelier".  Cet artiste et dirigeant a développé un modèle unique et performant de développement touristique axé sur l’art et la promotion des créateurs et artistes locaux.

L’espace qu’il dirige s’appelle The Current ; c’est à la fois une galerie, un laboratoire et une plateforme de promotion des artistes locaux . "Nous avons une équipe de 16 personnes : des conservateurs, des médiateurs culturels, des designers, du personnel de galerie et de production. Notre travail a considérablement évolué car le complexe hôtelier a compris la valeur de l’art comme partie intégrante de l’expérience. Il ne s’agit plus seulement de chiffres ou de rentabilité, mais de créer une valeur immatérielle qui donne au lieu son identité",  explique-t-il.

Les expositions du Current changent toutes les six semaines et servent de tremplin aux artistes émergents. Mais au-delà de cela, le département assure la direction artistique de l'ensemble du complexe : de l'ambiance des restaurants à la conception des nouveaux hôtels et du parc aquatique.

"Lorsque le promoteur modifie ou rénove des espaces, il nous demande de nouveau d’en assurer la scénographie. Nous l’avons fait à deux reprises avec Rosewood, avec le Grand Hyatt, avec le SLS…", explique Cox. "Cela représente un travail continu et une opportunité permanente pour les artistes locaux de participer à des projets d’envergure. Certains réalisent des séries de plus de 200 estampes ou sculptures sur commande, ce qui est inédit".

L'initiative la plus ambitieuse de Cox est FUSE , une foire d'art caribéenne inspirée du modèle d'Art Basel , qui en est à sa troisième édition. "Il ne s'agit pas seulement des Bahamas, mais de toute la région. Nous voulons créer une foire de rayonnement international ", explique-t-il.

Pour Cox, l'art bahaméen contemporain est en pleine réflexion sur son identité postcoloniale. "Notre indépendance date de 1973 et la rupture n'a pas été violente. De ce fait, de nombreuses traditions britanniques ont perduré. Les artistes ont dû se confronter à cet héritage et le réinterpréter", souligne-t-il.

Le commissaire d'exposition cite l'historienne Krista Thompson , à l'origine du concept de « tropicalisation », qui analyse comment le paysage caribéen a été « fabriqué » pour entretenir l'idée de paradis. "Pendant longtemps, l'art a servi à promouvoir cette image romantique et touristique du pays. Aujourd'hui, les artistes cherchent à raconter d'autres histoires, plus authentiques, plus humaines", explique-t-il.

Parmi les noms qu'elle cite figurent April Bey, Gio Swaby, Tavares Strachan, Lavar Munroe, Nina Major et Jeffery Meris , des créateurs qui mêlent langages universels, symboles et matériaux locaux. "Leurs œuvres pourraient figurer à la Tate Modern, mais lorsqu'on connaît leur contexte, on comprend qu'elles évoquent le quotidien à Nassau, la diaspora, notre mémoire collective", explique Cox.

Interrogé sur le Junkanoo, fête traditionnelle bahaméenne aux racines africaines, Cox n'hésite pas à le ranger dans le domaine de l'art. "Le Junkanoo n'est pas un carnaval. C'est un héritage de l'émancipation africaine, une forme de résistance et de célébration. Les chars étaient à l'origine faits de matériaux modestes – papier, éponges, bois – et aujourd'hui, ce sont de véritables sculptures en mouvement", explique-t-il.
 

Pour lui, l'essentiel du Junkanoo n'est pas le spectacle visuel, mais sa capacité à unir la communauté. "Il rassemble des gens de tous les quartiers, sans hiérarchie. C'est de l'art, c'est une religion, c'est une identité. Il peut vous émouvoir sans que vous ayez besoin d'aller à l'église. C'est l'âme du pays".

L'art comme nouvelle raison de voyager

Cox se souvient d'une citation de son ami, l'architecte Jackson Burnside, qui a façonné sa vision : "D'ici 2020, davantage de personnes viendront aux Bahamas pour l'art et la culture que pour le soleil"

 

"Cette phrase est inscrite sur la porte de notre galerie", dit-il. "Pendant des décennies, le tourisme a été le moteur de notre économie, mais aujourd'hui, l'art et la culture redéfinissent les raisons qui poussent les gens à venir. Le cadre naturel est toujours magnifique, bien sûr, mais sous cette apparence paradisiaque se cache une complexité humaine qui relie le visiteur à quelque chose de plus profond. Et ce lien se tisse grâce à l'art".

https://bahamar.com/gallery/

 

À la croisée de l’histoire et de l’art contemporain, Othoniel a créé ce qu’il appelle une œuvre d’art totale, immersive et poétique, composée de 147 objets d’art sacré de la seconde moitié du 19ème siècle, parmi lesquels des ostensoirs et des encensoirs, des calices, patènes et autres reliquaires mis en majesté par le talentueux plasticien. 

Ce «  Trésor » unique en France est le fruit d’une commande de l’État passée en 2008 à l’artiste. Sa conception et son aménagement dans les vestiges d’un ancien clocher et d’une chapelle attenante, ont demandé huit années de travail. Son ouverture en 2016 fut saluée dans le monde entier et même par  le » New York Times », en ces termes «  La beauté d’un écrin de verre, d’or et d’argent. « 

Dans une continuation des maîtres architectes de cet édifice religieux, l’artiste a placé son chef d’œuvre de lumière, dans l’aile sud du transept en partie détruite en 1568 par les canons de l’amiral de Coligny et qu’Abadie, au 19ème siècle n’avait pu restaurer. Un mur ayant remplacé le vitrail explosé pendant les Guerres de religions, Jean-Michel a recréé le vitrail monumental de la Salle du Merveilleux, composé de 10 000 pièces de verre, parsemées d’étoiles ambre incluses de mica et d’or. Somptueux.

Trois espaces sont à visiter: le Lapidaire, l’Engagement, le Merveilleux. On y accède soit depuis l’extérieur de la cathédrale , soit depuis l’intérieur en traversant une vaste chapelle de jour ornée des portraits des évêques du diocèse d’Angoulême.
 
Le «  Lapidaire «, au rez-de-chaussée  s’ouvre sur une salle de sculptures. Une Vierge à l’enfant du 17ème siècle, de Jean Degoulon trône sur son centre, sur un fond de tenture bleue, brodée à l’or. Posée sur un socle de grosses perles de verre de Murano, elle donne le ton de l’esprit du plasticien, dont l’art joue avec la matière cristalline, les lignes et les couleurs, dominées par le bleu marial dans les vitraux. 
 

La troisième et dernière salle du Trésor surnommée «  le Merveilleux », constitue l’apothéose. Ses vitrines brillent de calices et reliquaires plus beaux les uns que les autres. Au centre de la salle, une statue de Vierge à l’enfant, tandis que des sculptures de saints ( Blandine, Bernadette Soubirous…) ornent les murs. Des murs recouverts d’un papier peint couleur or spécialement créé pour le Trésor, tout comme les magnifiques carreaux du sol. Le motif commun, que l’on retrouve également dans les vitraux, est un nœud néo-roman dessiné par Paul Abadie pour les verrières de la nef de la cathédrale.

Il s’agit, à ce jour en France, du seul Trésor composé par un artiste contemporain. Une mise en scène féerique, colorée et lumineuse qui sublime le mystère de la foi.